La Promenade di Renoir è esposta alla Villa dei Capolavori insieme al meraviglioso Monet, ai Cézanne e ai due Renoir della Collezione permanente, che rappresentano il più ricco e importante nucleo di pittura francese del periodo impressionista visibile in Italia.
Eseguito nel 1870, La Promenade è considerato uno degli esiti più alti della produzione di Renoir e anticipa quella rivoluzione che cambierà il corso della storia dell’arte: l’Impressionismo, movimento che nasce ufficialmente il 15 aprile 1874 con la prima mostra di un gruppo di giovani artisti – Monet, Degas, Pissarro, Morisot e Renoir – pronti a trasgredire le regole dell’arte accademica, che già da alcuni anni stavano sperimentando la nuova pittura fatta di luce e natura en plein air.

La simbologia della luce e la tecnica pittorica di Renoir

La luce del sole screziata gioca su una lussureggiante radura boschiva. Un giovane scosta il fogliame per aprire la strada alla sua compagna. Lei gira la testa di lato in segno di modestia, forse esitante nel seguirlo più lontano nel bosco. Nella Promenade entrambe le figure sono cruciali per la scena, ma sono trattate in modo molto diverso. Mentre i verdi appena colpiti dalla luce nell’angolo in alto a destra illuminano la figura scura dell’uomo, ben illuminata e vestita di bianco la donna è il fulcro dell’immagine. Molto probabilmente si tratta di Lise Tréhot che fu la modella preferita e la compagna di Renoir durante gli anni Sessanta del XIX secolo e appare in molte delle sue opere di quel periodo.

La Grisette e il Canotier: il racconto di una mitologia bohémien

Il dipinto raffigura una scena di vita quotidiana i cui personaggi sono tipi ben riconoscibili socialmente. Il canotier si presenta come un piccolo borghese, appartenente alla classe medio-bassa e la sua compagna come una delle famose grisettes, le ragazze di buon cuore comuni nella mitologia della vita bohémien parigina, interessate ai bei giovani per il loro fascino, non per i loro soldi. Parigini in gita romantica che evocano un mondo rilassato di piaceri fugaci, dove le restrizioni sociali sono allentate nel contesto di una natura libera.

Stilisticamente La Promenade è un omaggio agli artisti precedenti che Renoir ammirava molto come Watteau e Fragonard. Ma a differenza delle immagini di seduzione create dai suoi predecessori, quella di Renoir è una immagine istantanea catturata con spontaneità: due giovani immersi nella natura, forse in un parco, non in posa sullo sfondo di un atelier.

Renoir aveva trascorso l’estate precedente dipingendo all’aperto con Monet, che lo incoraggiava a orientarsi verso una tavolozza più chiara e luminosa e a indulgere nella sua predilezione per una pennellata lussureggiante e piumosa. La luce che filtra attraverso il fogliame diventerà un marchio distintivo delle migliori opere impressioniste di Renoir degli anni 1870 e 1880. In Promenade l’artista conserva anche un po’ della tavolozza verde e marrone di Courbet e usa una miscela di colore sottile e oleosa, dove le sue tinte smaltate fluttuano a macchie l’una nell’altra per creare profondità; una pittura che gli consente di esprimere la sua personale percezione sensoriale del mondo che gli sta intorno.

In questi termini la tecnica di La Promenade ne fa uno dei primi veri quadri impressionisti.

Renoir all’inizio del Novecento affronterà con immutato entusiasmo una nuova stagione artistica, caratterizzata da una più evidente distanza rispetto alla resa naturalistica del motivo ispiratore, rilevata dall’intensità delle gamme cromatiche e dalla perdita delle linee di contorno degli elementi raffigurati, dissolte nelle armonie colorate delle vibrazioni luministiche, come ben documentano i dipinti dell’artista scelti da Luigi Magnani e parte delle raccolte d’arte della Fondazione Magnani-Rocca, che, accostati a La Promenade, consentono uno speciale confronto fra la pittura del giovane e quella dell’anziano Renoir.

Fra le opere del Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia in Roma, diretto da Luana Toniolo, sarà possibile ammirare in particolare un’inedita anfora “nicostenica” proveniente da Cerveteri, risalente a oltre 2500 anni fa. L’anfora è così detta perché la sua insolita forma con lungo collo appare firmata (“Nikosthenes epoiesen”, “Nikosthenes fece”) con il nome di una delle più raffinate botteghe di ceramisti ateniesi.

Ma cosa rende così particolare le anfore di questo tipo rispetto alle altre rinvenute in Etruria o in Grecia? È ben vero che un altissimo numero di vasi greci è restituito proprio dall’Italia, dove veniva importato in grandi quantità per una clientela raffinata che amava esibire la conoscenza della cultura e del mito greco.

In questo clima di contatti e di scambi, l’anfora nicostenica fornisce un esempio eclatante del fatto che, allora come oggi, a governare la produzione artistica e il suo mercato è la committenza, e in questo caso una committenza internazionale.

Nikosthenes era infatti a capo di una officina all’interno della quale venivano prodotte opere per una clientela medio-alta. Questa linea particolare di vasi, a giudicare dalla loro distribuzione, è stata unicamente prodotta per essere esportata in Etruria, mentre in Grecia risulta assente.

Forme particolari, ma soprattutto decorazioni coloratissime, come si osserva nelle figure che arricchiscono il meraviglioso vaso che raggiungerà la mostra a Bolzano. Nell’Officina ateniese erano attivi vari artisti in qualità di pittori e decoratori, noti da altri importanti lavori, che si ispiravano a modelli comuni rielaborandoli secondo la propria sensibilità.

Ad affiancare l’anfora nicostenica è un’ansa attribuita alla stessa officina, decorata con l’immagine di un guerriero munito di lancia. Opere fondamentali per ricostruire i rapporti fra produzioni artigianali e artistiche e i valori promossi da quanti amavano circondarsene.

Serate al Lazzaretto

Lo spazio duttile del Lazzaretto sarà il principale punto di connessione per gli eventi del festival. Una sola casa in cui coabitano concerti, incontri con gli autori, occasioni conviviali.

Il Lazzaretto ospiterà i concerti principali del festival a partire dall’evento speciale della serata inaugurale, l’11 settembre, con il batterista svizzero Jojo Mayer, impegnato in un set nel quale la performance umana e la potenza arcaica dei tamburi si confrontano con la più avanzata tecnologia generativa musicale in tempo reale. In “Me/Machine” Mayer esplora nuove possibilità e narrazioni ritmiche, cercando una forma di coesistenza simbiotica tra performer e tecnologia digitale. Esplorando le innovative possibilità dell’AI, Mayer ha sviluppato una sua ‘macchina’ musicale che interagisce mutando, interpretando, seguendo o anticipando il suo drumming.

Le quattro serate dal 12 al 15 saranno una piccola enciclopedia del jazz italiano, da sempre interesse principale del festival. Il 12 riflettori puntati su un simbolo della musica nazionale: Tullio De Piscopo. Con la sua batteria ha dominato qualunque genere musicale, dal pop, alla musica mediterranea, dal jazz al tango di Piazzolla. Il suo concerto cagliaritano vuole essere una sorta di riepilogo della sua romanzesca carriera, una sorta di viaggio musicale che parte da Napoli e arriva sino a New York, ricordando le innumerevoli avventure vissute con Pino Daniele, le canzoni che lo hanno trasformato in un fenomeno popolare (Stop Bajon e Andamento Lento) senza trascurare la sua vena più jazzistica (con brani di Charles Mingus, Elvin Jones, Duke Ellington). Prima del concerto Tullio De Piscopo riceverà il premio alla carriera assegnato dall’Associazione Event’s Partner e finanziato dalla Regione Autonoma della Sardegna, Assessorato della pubblica istruzione, beni culturali, informazione, spettacolo e sport. Destinato a personalità, non solamente musicali, che si sono contraddistinte per il loro percorso artistico, il premio viene consegnato a De Piscopo in riconoscimento dei suoi oltre cinque decenni di carriera da protagonista della musica italiana anche a livello internazionale. La serata sarà introdotta dal trio di Antonio Floris, chitarrista sardo di base a Roma. E proprio dalla scena romana proviene la ritmica che lo accompagnerà in un repertorio che spazia dalla tradizione del jazz afroamericano a brani di sua composizione.

L’introduzione della sera del 13 è affidata ad Alberto Sanna: il rocker, cantautore, polistrumentista, scrittore, protagonista della musica “made in Sardinia” presenta il libro-CD Kalaritana, la cui parte musicale comprende canzoni originali inedite e cover d’autore. La serata prosegue poi con figure di spicco del jazz italiano che ci faranno ascoltare il lato più esotico della loro musica. La pianista Stefania Tallini si presenterà in duo col flautista spagnolo Jorge Pardo, in un set che mescolerà le esperienze di entrambi: jazz, musica classica, musica brasiliana e flamenco. Celebre come trombonista, Mauro Ottolini è in effetti un polistrumentista, come dimostra cimentandosi anche con le conchiglie nel progetto musicale “Nada Màs Fuerte”, creato per mettere in risalto le doti canore di Vanessa Tagliabue Yorke. La sua voce farà divampare tutta la passione e l’intensità​ emotiva di un programma di musiche popolari di diversi continenti, in un’alternanza di rumba, fado, calypso… Un giro attorno al mondo in cui le atmosfere latine si riflettono anche sulla musica di altri paesi e in cui il jazz fa capolino in un originale contesto strumentale.

Gioventù in trio: così potrebbe essere battezzata la sera del 14, con due set che vedranno succedersi sul palco i trii della chitarrista Eleonora Strino e del pianista Alessandro Lanzoni, quest’ultimo con in più lo special guest Francesco Cafiso al sax. Strumentista di notevole musicalità, la Strino bilancia un’evidente passione per la tradizione jazzistica con il piacere di variarne l’espressività accogliendo anche materiali tematici eterogenei. Lanzoni e Cafiso sono tra i jazzisti italiani che godono di maggior prestigio sia in patria che sulla scena internazionale. Li accomuna il fatto di essere stati degli enfants prodiges e di aver poi saputo mantenere le promesse dell’adolescenza una volta entrati nell’età adulta: pur ancora giovanissimi, sono ormai artisti maturi e di indiscutibile spessore, ricchi di esperienza che si riversa nella loro musica.

La serata del 15 è caratterizzata da evidenti connessioni tra i musicisti che prendono parte ai due set che la compongono. Il quartetto del trombettista Fabrizio Bosso è una delle formazioni più rappresentative del jazz italiano in ambito hard-swing-bop: la stabilità di lunga durata ha permesso a questo organico di sviluppare la propria musica in maniera sempre più personale, arrivando all’attuale repertorio che, pur conservando i moduli linguistici del jazz afroamericano, si compone prevalentemente di musiche originali di notevole appeal tematico. La serata prevede anche l’esibizione di un quartetto con il pianista Luca Mannutza, il sassofonista Max Ionata, il chitarrista Fabio Zeppetella e il batterista Sasha Mashin: un coerente e gagliardo pendant al gruppo di Bosso.

Gli extra del Lazzaretto

Il Lazzaretto ospiterà anche, nella Sala Archi, attività che aumentano i punti di vista sulla musica jazz.

Dal 12 al 15 settembre si terrà “100 e non sentirli”, esposizione di una quarantina di radio storiche a cura di Ampelio Jose Melin in occasione del centenario di questo mezzo di comunicazione di insostituibile importanza nella diffusione musicale.

Un trittico di presentazioni editoriali: il 14 Andrea Polinelli presenterà il suo libro “Gato Barbieri, una biografia dall’Italia tra jazz, pop e cinema” (Artdigiland, 2023); Enrico Merlin sarà invece protagonista di ben due incontri: “10 dischi per un secolo possono bastare?”, una guida all’ascolto di opere fondamentali del XX secolo (il 14) e “Bitches Brew”, dedicato ai misteri e la bellezza della musica elettrica di Miles Davis (il 15).

Il 13, 14 e 15 un momento di ristoro prima di pranzo con “Aperitivo in Jazz Cin Cin Cannonau”, una degustazione guidata a cura di Botteghe in Piazza.

Musica, movimento, natura, sostenibilità

Forma e Poesia nel Jazz 2024 sarà anche un festival in movimento, letteralmente. Il 13 e 14 settembre il jazz prenderà la metro, con le esibizioni del percussionista Giovanni Alborghetti e del sassofonista Diego Greco a bordo della metropolitana leggera (in collaborazione con ARST).

Un altro classico del festival è il trekking musicale alla Sella del Diavolo, il promontorio che si affaccia sul Golfo di Cagliari: il 13, dopo una passeggiata naturalistica guidata da Stefania Contini con partenza alle ore 9, si ascolterà l’esibizione del Duo Gipsy.

Altrettanto caratteristica è la pedalata jazz della mattina del 15 settembre, con l’amichevole partecipazione della Federazione Italiana Ambiente e Bicicletta: un’anteprima della Settimana Europea della Mobilità in Bicicletta. Gli amanti delle due ruote percorreranno la città attraverso i quartieri periferici da San Michele, transitando sul lungomare Sant’Elia sino al Lazzaretto, dove è prevista una sosta/aperitivo a cura di Cin Cin Cannonau con intrattenimento musicale.

Ad allargare ulteriormente la geografia del festival arriva poi il concerto del 21 settembre a Villa Pollini, con un piano solo di Federico Battista Melis.

Il festival Forma e Poesia nel Jazz 2024 è organizzato dalla Cooperativa FPJ con il contributo della Regione Autonoma della Sardegna (Assessorato della pubblica istruzione, beni culturali, informazione, spettacolo e sport; Assessorato del turismo), del Comune di Cagliari (Assessorato alla cultura), della Fondazione di Sardegna e della Banca di Cagliari, con la collaborazione di FIAB, ARST, ABC Sardegna, Cooperativa Sant’Elia 2003, BFLAT, Associazione Event’s Partners, Associazione Baetorra, Botteghe in Piazza e Tourist Smile e con la media partnership di Tiscali e Nara Comunicazioni. Forma e Poesia nel Jazz aderisce al progetto Jazz Takes the Green, I-Jazz e Sardinia Jazz Network.

Organizzazione:
FPJ – Forma e Poesia nel Jazz soc. coop.
e-mail: formaepoesianeljazz@gmail.com
www.formaepoesianeljazz.com
www.facebook.com/FormaePoesianelJazz

Prevendite online:
www.boxofficesardegna.it
tel.: 070 657428

Biglietti:
concerti al Lazzaretto dall’11 al 15 settembre:
biglietti Jojo Mayer: euro 30 + 3 prevendita
biglietto giornaliero 12 settembre: euro 27 + 3 prevendita
biglietto giornaliero (13/14/15 settembre): euro 23 + 3 euro prevendita
abbonamento 4 serate (12/13/14/15 settembre): euro 80 + 5 prevendita

Tutti gli altri appuntamenti sono a ingresso gratuito

Il documentario intende descrivere il progetto “Cura delle relazioni per la prevenzione del disagio” presentando una serie di esperienze vissute dai volontari riportate in interviste ai protagonisti del progetto, realizzato a Bologna con il sostegno del Cardinale Zuppi, la promozione da parte dell’Odv sanitaria Sokos e del Centro medico Legale di Inps. Viene in questo modo evidenziato l’impatto del dolore burocratico sul disagio sociale e sanitario e di come le fratture tra norme e bisogni sociali possano essere ricomposte con un rapporto di collaborazione tra istituzioni e volontariato. 

Dalle storie più drammatiche a quelle che mostrano un male di vivere diffuso, emergono vari tipi di invisibilità e mondi diversi che si intersecano in una battaglia quotidiana al confine della nostra comfort zone, che riteniamo possa proteggerci dal dolore e dove norme e burocrazia tendono a deresponsabilizzarci dall’assunzione decisioni e comportamenti risolutivi. I volontari, rappresentanti delle istituzioni, persone fragili interagiscono in un contesto in cui trovare soluzioni tra speranze e delusioni che si alternano ora dopo ora. Da Bologna, luogo di sperimentazione del progetto, ci si rende conto come ogni quartiere della città rappresenti un punto di vista sul mondo, un caleidoscopio spesso di disagi, ma anche di mille colori di intensità umana. 

Il progetto ha una particolare affinità con l’intento filosofico di  Seminare Speranza che Cen Long vuole comunicare con le sue opere, poiché entrambi mettono al centro l’idea di coltivare la speranza come atto di resistenza e trasformazione. “Seminare Speranza” propone una riflessione profonda sulla capacità umana di trovare luce anche nelle situazioni più difficili, affrontando le sfide della vita con perseveranza e fiducia. “Speranze dal Sottosuolo” documenta le esperienze di individui che senza un aiuto non sarebbero in grado di superare le difficoltà nell’interagire per l’applicazione dei propri diritti con Istituzioni considerate irraggiungibili, mentre cercano di costruire un futuro migliore. 

Il cortometraggio “Speranze dal Sottosuolo” ci comunica come le profonde fratture tra applicazione delle norme e bisogni sociali possano essere ricomposte grazie alla collaborazione tra istituzioni e volontariato, mostrando che si possano costituire circoli virtuosi di supporto reciproco e cura delle relazioni anche nei contesti più complessi prevenendo il disagio attraverso l’adozione di un approccio etico e responsabile. 

Le storie raccontate nel documentario riflettono l’essenza del seminare speranza: un processo che richiede pazienza, impegno e la capacità di accettare il diverso da noi e vedere al di là delle difficoltà immediate. Emerge l’importanza di coltivare relazioni significative e sostenere i più vulnerabili, come parte di un più ampio sforzo per costruire un mondo più giusto e compassionevole.

Venerdì 30 agosto – dalle 19.00 alle 20.30 – nella splendida cornice del giardino storico di Palazzo Gradenigo in Fondamenta Rio Marin, 768 a Venezia, avverrà l’incontro con Benedetta Paravia, in arte Princess Bee, per parlare del suo progetto artistico – culturale – umanitario “Women in love” contro il crimine delle Mutilazioni Genitali Femminili (MGF) patrocinato dal Ministero della Cultura e dalla Città di Venezia, già premiato presso la Camera dei Lords a Londra nell’Ottobre del 2022, con decreto precedentemente firmato dalla Regina Elisabetta, con la motivazione “Best Project 2022 for Women Empowerment” ed esposto nel dicembre dello stesso anno per la prima volta a Venezia nella sede di Palazzo Bembo. 

Un’iniziativa in fieri, che dunque proprio da Venezia ha mosso i suoi primi passi, passando per Roma con due presenze al Festival del Cinema in Alice nella Città, giungendo l’anno scorso anche a Dubai. 

La scelta artistica di Paravia si esprime attraverso 7 video opere che ritraggono 7 donne in estasi, ovvero la forza della natura femminile contro il crimine della violenza delle MGF. 

“Ho voluto rappresentare l’estasi che deriva dall’orgasmo clitorideo femminile per indurre  lo spettatore alla riflessione sulla differenza con le donne mutilate che sono private con violenza e dolore della propria dignità. Ringrazio le donne che hanno voluto donare un momento così intimo in favore della telecamera di questo progetto umanitario, Daniele Pedone per la collaborazione e la Prof. Aurora Almadori con la quale a Settembre opereremo in Italia la prima di tante donne mutilate che risiedono sul territorio italiano, attraverso l’uso delle cellule staminali per restituirle la dignità di donna” – dichiara Paravia. 

Benedetta Paravia – in arte Princess Bee –  artista, produttrice, autrice, consulente e filantropa, vive dal 2002 tra l’Italia e gli Emirati Arabi Uniti dove è cittadina onoraria con la motivazione “pioniera di talento” avendo contribuito positivamente allo sviluppo della società locale attraverso l’affermazione del ruolo della donna. Il suo impegno umanitario ha recentemente permesso alla famiglia di una giovane paziente di Gaza, Intisar Almshalah, di cui si è occupata dall’età di 5 anni, di vivere in Italia. Paravia, attraverso la onlus A.N.G.E.L.S. (Associazione Nazionale Giovani Energie Latrici di Solidarietà) di cui è Ambasciatore, aveva preso in carico il destino di questa bambina malata di cancro al fegato ottenendo per lei il trapianto che fu eseguito presso l’Ospedale Pediatrico Bambino Gesù. In seguito al trapianto furono necessari altri 3 complicati interventi presso lo stesso ospedale nel corso degli anni. Intisar, ora diciannovenne, è trilingue e studierà in Italia Scienze Politiche. Vittima del conflitto israelo-palestinese, la sua casa a Gaza è stata distrutta durante un bombardamento. Le autorità israeliane, con le quali la onlus collabora dal 2008, hanno concesso l’evacuazione della sua famiglia.  

Arte, cultura e solidarietà sono gli ambiti del suo impegno, grazie al quale sta crescendo nel mercato dell’arte: la sua opera “Winners”, in formato fisico e digitale (NFT), recentemente è stata acquistata da Caterina Bonora, Direttore di DFI CAPITAL SP per l’equivalente di 25.100 euro.

L’incontro con l’artista avverrà venerdì 30 agosto dalle 19 alle 20.30 presso Giardino Gradenigo, fondamenta del Rio Marin 768, Venezia. I partecipanti avranno anche l’occasione di visitare un’installazione fotografica dal titolo SET PASOLINI di Carlo Maria Causati.

PROGRAMMA DEL 30 AGOSTO 2024

Ore 19.00 – visita guidata nel giardino di palazzo gradenigo e della mostra set pasolini;
Ore 19.30 – “Women in Love” proiezione e dibattito con l’artista;
Ore 20.30 – rinfresco

La fotografa – nipote di Ada Masotti, fondatrice di una nota casa di moda del bolognese – compie un percorso che partendo dalla sua crescita all’interno della casa di alta moda paterna, la conduce verso un progressivo dialogo che lega creatività ed arte inserendo, all’interno delle sue stampe fotografiche, l’artigianalità di ricami fatti a mano che le rendono opere uniche. Infatti, Anna eredita dalla nonna Ada la passione per il ricamo insieme alla capacità innata della cura dei dettagli e dalla mamma Olga l’amore per la fotografia, combinandoli con estro nelle sue opere. Anna Caterina Masotti afferma: “L’immagine è come una stampa, un ricamo, un fiore cresciuto nella stoffa”.

Da qui prende vita “A Single Moment”, un percorso immersivo, a cura di Alessia Locatelli in collaborazione con l’art manager Laura Frasca, che unisce estetica e poetica, legame che si ritrova nell’allestimento all’interno della Galleria dove il visitatore potrà da subito ammirare due grandi immagini stampate su chiffon ed impreziosite con fili di lurex, insieme ad una ventina di opere fotografiche in copia unica stampate su carta naturale e ricamate a mano. 

Come scrive, la curatrice della mostra Alessia Locatelli: “Lo stesso connubio tra estetica e poetica delle fotografie si rigenera nell’allestimento che ricrea ambienti intimi, uterini, dentro cui danzano la vita della quotidianità i suoi affetti, i suoi spazi ed i paesaggi a lei cari. Stampe di grande formato si alternano ad altre in dimensione minore, intime nell’approccio visivo oltre che nel soggetto rappresentato.  Un percorso sia materico che visivo, che mira ad aprire un dialogo con l’esperienza del fruitore stesso, condividendo – dal buio verso la luce – il momento dello scambio e dell’intimità che racchiude tutta l’umanità di un sentimento collettivo“.

La luce gioca un ruolo centrale nelle fotografie di Anna Caterina filtrando negli interni e creando pattern e contrasti, riflettendosi nell’acqua e delineando delicati ornamenti floreali sui muri da lei immortalati. Le illusioni visive tipiche delle creazioni della fotografa bolognese vengono intensificate dai ricami, i quali aiutano l’osservatore a focalizzare l’attenzione sul punto di luce dello scatto, rendendo il risultato finale ancor più raffinato e attrattivo.

Attraverso un linguaggio trasversale – stampa su chiffon, fineart e le installazioni – Anna Caterina Masotti offre al visitatore la possibilità di prendere parte ad un viaggio affascinante, intimo ed emozionale immergendosi nella poetica della fotografia e l’estetica della moda. Questi elementi che si amalgamano tra loro sottolineano la versatilità della visione artistica della Masotti e la sua capacità di dialogare con gli spazi della galleria in modo dinamico, non perdendo il concetto del la mostra “A Single Moment”, che immortala il qui e ora rendendolo eterno.

Anna Caterina Masotti: biografia

Anna Caterina Masotti nasce negli anni ’70 a Bologna, dove attualmente vive. Dall’età di 10 anni inizia ad appassionarsi di fotografia: passione trasmessa dalla madre Olga, stilista innovativa che amava fotografare, nel tempo libero, fiori e paesaggi. Terminati gli studi a 22 anni entra subito nella house agency di famiglia dove si occupa di comunicazione. Nel 2004 ritira assieme al padre Alberto il premio La Kore, Oscar della Moda. Qualche tempo dopo, riceve un importante riconoscimento per il suo ruolo di giovane dirigente di una azienda italiana di eccellenza e viene invitata al Quirinale dal Presidente della Repubblica per parlare ad una platea di studenti. Successivamente viene nominata Direttore della Comunicazione del Gruppo, gestendo personalmente tutti i servizi fotografici e gli eventi nel mondo. Nel 2010, le viene diagnosticato un problema agli occhi per il quale ha dovuto subire diversi interventi chirurgici. Da quel giorno i suoi sensi si modificano e la sua vita ha un inaspettato cambio di percorso. È da questo momento che fotografare diventa una priorità, attraverso una nuova visione che la porta ad esplorare modalità alternative di percezione della luce.